“Phantone”, o álbum de estreia de Angélica Salvi expressa aquilo que se tem vindo a aprender com o seu trabalho ao longo dos últimos anos: tem uma habilidade única para comunicar e se expressar livremente com o seu instrumento, a harpa. Natural de Espanha, mas residente do Porto desde 2011, onde lecciona no Conservatório de Música. O seu percurso inclui colaborações com Evan Parker, Orquestra Sinfónica da Casa da Música, Ensemble Modelo 62, Brokkenfabriek, Butch Morris, e trabalhos desenvolvidos para a Sonoscopia ou o Balleteatro. O álbum, gravado durante o Encontrarte de Amares, no Mosteiro de Rendufe, procura a liberdade sonora e explora a forma como o som pode habitar um espaço através de diferentes camadas e caminhos. O fantasma que existe nas sete peças de “Phantone” é bem real, mas menos formal do que se imagina. Mais uma afirmação do que uma presença, seja nos lugares imaginados da música de Salvi ou nos efeitos em concreto que a gravação no Mosteiro produziram na sua música. Música que se lê, ouve, cheira, sente e se prova.

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Roubaram o seu nome aos Mão Morta, o groove do baixo aos Sleep, o fuzz da guitarra ao Hendrix e a bateria em modo locomotiva aos Earthless. Tal como os Sex Pistols, com o que roubaram, fizeram algo novo e próprio; não uma carrinha punk, mas uma nave espacial stoner com duas velocidades apenas – a de órbita e a de escape, propulsionando-nos para o vácuo sideral onde um riff esticado à eternidade parece durar apenas o suficiente para induzir o transe. Donos daquele que é, provavelmente, o mais fascinante psych rock com fonte nacional, o colectivo surge do efervescente movimento de novas bandas saída de Barcelos dos finais de 90. Hoje, com sete discos editados e uma mão cheia das mais relevantes colaborações (de Peter Brotzman a La La La Ressonance, de Jonathan Saldanha, a João Pais Filipe), são uma das bandas mais referenciadas do underground português.

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Para este projeto , na sequência de uma encomenda feita pelo Festival Curtas Vila do Conde , os Black Bombaim convidaram João Pais Filipe , baterista/percussionista do Porto, para colaborar com o trio de Barcelos na criação da banda sonora do filme “Dragonflies with Birds and Snake”.

Este foi o mote para o começo do trabalho em conjunto, polirritmos que induzem o espectador em transe. Juntando as várias dinâmicas possíveis que se podem esperar de um músico como João Pais Filipe , também ele um artesão no fabrico de instrumentos.

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Há quem diga que este é um encontro que já há muito estava escrito no céu psicadélico. Tudo parecia anunciá-lo nos percursos respetivos da banda portuguesa de stoner rock, Black Bombaim, e do saxofonista alemão de free jazz, Peter Brötzmann. Os primeiros tinham vindo a acrescentar um saxofone à sua música, recaindo a sua escolha usualmente entre Pedro Sousa e Rodrigo Amado, figuras de primeiro plano do jazz tocado em Portugal, ou no falecido Steve Mackay, tenor que surge no pioneiríssimo “L.A. Blues”, dos Stooges de Iggy Pop. O segundo teve múltiplas experiências de aproximação ao rock, desde o grupo Last Exit, formado com Sonny Sharrock, Bill Laswell e Ronald Shannon Jackson, aos Full Blast, na companhia de Marino Pliakas e Michael Wertmüller, passando pelas suas colaborações com o filho Caspar Brötzmann ou com os Fushitsucha de Keiji Haino. E o curioso, nesta parceria, é que nem o power trio de guitarra, baixo e bateria sai do seu trilho para se acomodar a Brötzmann, nem este tenta quaisquer compromissos com os seus interlocutores. Simplesmente, não é necessário.

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Nasceram como trio nas Caldas, terra desde há muito ligada a um certo movimento artístico no Oeste do país. Em 2016 tomavam conta das rádios nacionais com “West”, um disco de estreia onde expurgavam medos e tédios através de um conjunto de canções onde as noções rock se encontram com a pop orelhuda, de cores garridas, exactamente como exige a urgência e a rebeldia da juventude. Transformados já em quarteto, editam “Punk Academics”, guiando-nos pelas lições do DIY, do punk e do hardcore. Estudo de caso sobre a influência sem preconceito da libertação física dos Black Flag, ludicidade dos Minutemen, ou a contemplação que nunca se perde de vista dos Television.

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Francisco Lima, Raul Mendiratta e José Miguel Silva são os participantes desta Conferência Inferno. No início de 2021 revelaram Ata Saturna, o seu primeiro longa duração. Nascidos em percursos por Portugal, mas nidificados no Porto, fizeram-nos chegar o espelho da desumanização, com letras desoladoras e pejadas de crítica social. Com influências darkwave e post punk são a prova de que não é preciso baterias nem guitarras para ser punk. Algo que já conhecíamos de Bazar Esotérico, EP lançado no Verão de 2019 ainda em formato duo, onde registaram retratos nocturnos de uma cidade imberbe na arte de ser urgente.

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Duquesa é Nuno Rodrigues, jovem feito homem que traduz a sua metamorfose com a desenvoltura melódica e os ganchos pop cujo sabor se dissolve, mas não se esquece. A sua música enaltece que a palavra escrita está subentendida na arte de escrever canções e a sua voz embevece com as melodias com que maquilha a sua expressão carregada. Contornam-se as rugas com sorrisos rasgados a ironia e aplica-se uma base pop em tons pastel. Em “Norte Litoral”, ouvimos a sua paixão pelos anos 80 a transformar-se num documento actual sobre sonoridade pop, onde o minimalismo lírico abre espaço para arranjos cuidados, melodias garridas, remetendo-nos para paisagens tão familiares quanto distintas e um romantismo embotado.

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Ece Canlı estreou-se a solo com Vox Flora, Vox Fauna, uma série de paisagens sonoras assomadas por técnicas vocais estendidas, poesia extralinguística e outros instrumentos sonoros. O percurso da artista turca radicada no Porto conta com várias colaborações: NOOITO, duo com a harpista Angélica Salvi; Live Low, banda portuense iniciada por Pedro Augusto, e Cobra’Coral, trio vocal com Catarina Miranda e Clélia Collona. Este primeiro trabalho em nome próprio foi gravado numa residência artística em Alpendurada, numa loja de terra batida, onde habitualmente se guardam batatas e cebolas. O ambiente e a energia criados pela iluminação do espaço incorporaram de forma muito clara o disco, que evoca e cristaliza a incorporação do humano-animal-natureza.

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Os Ghost Hunt não andam à caça de fantasmas, nem querem assustar ninguém, mas a música que fazem podia ser a banda sonora de uma rave numa casa assombrada. Cresceram na mesma cidade, Coimbra, andaram na mesma escola e foram, praticamente, da mesma turma, mas nunca pertenceram à mesma “tribo”. Pedro Chau, dos The Parkinsons, sempre esteve mais ligado ao punk; e Pedro Oliveira, ex-membro do Monomoy, andou sempre mais perto do universo indie. Hoje, já mais velhos, formam a dupla electrónica Ghost Hunt. A idade é mesmo assim, desperta-nos os ouvidos e a mente para outras influências que, afinal, sempre estiveram ali ao nosso alcance, mas que nem sabíamos que as tínhamos.

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Os Glockenwise são Nuno Rodrigues, Rafael Ferreira e Rui Fiúsa. Tinham 16 anos quando começaram a fazer música, herdando o espírito da famosa “cena de Barcelos”, uma narrativa cool que tem o Milhões de Festa como epicentro e a boa vizinhança como política criativa. Depois de três álbuns, “Building Waves” (2011), “Leeches” (2013) e “Heat” (2015), apostaram tudo em reinventar-se e ganharam. Varreram os tops nacionais com aquele que é o melhor disco da sua carreira e o primeiro totalmente cantado em português. Lançado ali nas portas do Natal de 2018, “Plástico” é o testemunho da maturidade da banda e prova inequívoca de que há muito para ver e ouvir neste Portugal que existe fora dos grandes centros urbanos. Lírica pintada a ironia que reflecte sobre a espuma dos dias, as suas rotinas e normalidades, o universo sonoro que construíram equilibra a urgência do rock (esse espaço que tão bem trilharam nos três primeiros discos) com o desasombramento da modernidade, fazendo-nos acreditar que o futuro da música portuguesa passa, já hoje, por aqui.

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João Pais Filipe é um baterista, percussionista e escultor sonoro do Porto, nascido na década de 80. O seu trilho enquanto músico é assinalado pela colisão de uma grande amplitude de estilos e linguagens, em bandas como os Sektor 304, HHY&The Macumbas, Unzen Pilot, Paisiel ou CZN. Ao mesmo tempo que mantém uma actividade regular no universo da música improvisada, tendo participado em inúmeros projectos ao lado de nomes como os de Burnt Friedman, Steve Hubback, Fritz Hauser, Evan Parker, Marcello Magliocchi ou Rafael Toral. 

A sua música surge da construção de gongos, pratos e outros instrumentos percussivos de metal, onde explora a dimensão escultórica e as suas propriedades acústicas. Liberto avança sobre a tensão entre o mecânico e o orgânico, entre a repetição e o loop, entre a pista de dança e o mantra, e cria um espaço próprio etiquetado ethno-techno, onde as cadências do dancefloor são apropriadas, reinterpretadas por um kit de bateria desenhado à sua medida e canalizadas através de imperfeições e texturas rústicas para uma nova expressão das suas possibilidades.

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Jorge Coelho carrega nos dedos a força da geração que ditaria o ritmo da produção musical no Porto. Com um passado fortemente enraizado na cultura sónica da cidade, o guitarrista explora as possibilidades das cordas em diversas frentes, ora dobrando convenções com Torto, ora aprimorando a arte de contar histórias com dedilhados em nome próprio. Invariavelmente, e com a destreza de quem nasceu para isto, é com o seu instrumento sinuoso que, de forma reta, Jorge Coelho continua a firmar-se como uma força na arte de escrever música.

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A música de Julius Gabriel é, na sua apenas aparente abstração, assombrada pelas vidas anteriores de saxofonistas cuja música atravessou o tempo como uma ventania inaudita de som. Em “Dream Dream Beam Beam”, o seu primeiro álbum a solo, o saxofonista alemão organiza as suas idiossincráticas influências musicais para criar um mantra fluído de padrões circulares, overtones e erupções de free jazz, que pode ser compreendido como a síntese possível de uma longa tradição jazzística intercetada por imaginativas intrusões de drone e noise. No seu mais recente trabalho, “Ætherhallen” Julius Gabriel mantém o registo, com uma passagem pelo psicadélico e um desvio ao minimalista. As composições improvisadas de Julius Gabriel soam como excêntricas partículas de pó dançando numa luz crepuscular e em câmara lenta até ao fim dos tempos, propondo àqueles que as ouvirem um réquiem para a vida eterna.

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Os Killimanjaro chegaram, viram, venceram. Rock do melhor tipo que se exporta a partir de Barcelos, trouxeram o refrescante ao que estava estagnado. Do metal clássico aos seus desvios mais musculados de frequências graves, da escola Sabbath ao cabedal dos Iron Maiden, desenvolveram a técnica de abordagem perfeita. Entre o hastear de pavilhões, a execução perfeccionista de nós e uma síncope de riffs robustos e de corações cantantes, mantêm-se invictos na arte de embalar os corpos em headbangs bem justificados. Ao artesanato refinado que constroem só lhe interessa o palco, onde num só fôlego dissipam qualquer tipo de dúvidas sobre aquilo que fazem: os Killimanjaro sabem como disferir um gancho à Mike Tyson sem nos arrancar as orelhas. 

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Não sabemos quem teve esta ideia, mas por nós mereceria uma medalha. Juntar aquele que é, sem dúvida alguma, o melhor e mais alucinado vocalista que este país viu nascer (um título que, por mérito próprio, exibe desde meados da década de noventa com os Zen e recentemente renovado na insanidade dos Plus Ultra) aos Greengo, provavelmente a maior força propulsora que a Invicta viu nascer por entre baforadas carregadas de intenção e acidez. Gon encontra no baixo de Martelo e na bateria de Chaka as carruagens de fogo ideais para se lançar numa infindável lista de diatribes sobre isolação, alienação, corrupção, o vazio consumista deslumbrado com a tecnologia ou a cultura empresarial. É brutalista o som que nos despejam e, em larga medida, impossível de acorrentar. Música que exige ressonância e espaço para ser sentida, que cresce em urgência no espírito carbonário com que nos obriga a uma reflexão sobre a vida sem regras e responsabilidades hipócritas. Rejeitemos, com eles, a ideia de que temos de nos tornar num ideal, um camarada devoto do pensamento único, distante de sermos um indivíduo e não apenas parte de uma tribo.

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Quem passa por Alcobaça não passa sem lá voltar. A não ser que já se seja de lá, e que se saiba que para além da adoração à arte da doçaria conventual, também vai perdurando a veneração por outra arte menos antiga, a de fazer rock n’ roll. Terá sido mais ou menos assim com Mr. Gallini, nascido em Pisões, e a quem os pais deram o nome Bruno Monteiro. Começou nesta vida rock enquanto baterista de outros irmãos da mesma região, os Stone Dead, com os quais já percorreu palcos por todo o Portugal. Sem esquecer a casa-mãe, mas procurando também encontrar o seu próprio espaço enquanto artista a solo, Gallini lançou “Lovely Demos”, o seu álbum de estreia, em 2018, e apresentou, em 2019, o seu sucessor – que é, também, o segundo tomo de uma trilogia anunciada. “The Organist” mostra o lado mais pop de Gallini, seguindo um método sempre rock (refrões, juventude, electricidade), mas deixando espaço para que outras ferramentas mais electrónicas (teclados, theremins e vocoders) possam também respirar, num álbum que bebe tanto à brit-pop dos anos 90, como à space era dos anos 50, mas que soa vivaço e atual, sem cair nos pantanosos terrenos da mera nostalgia.

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O Gringo Sou EU tem como formação espontânea o convívio na periferia das grandes cidades e favelas brasileiras. Observador inquieto, em Portugal desde 2010, o também conhecido por Frankão resolveu criar um projecto de letras inspiradas na sua visão de mundo e quotidiano, de beats fervorosos e linhas simples.

Sob o som do tamborzão vem somando novos valores ao seu estilo, sem saudosismo, mas com a mesma pureza de quando começou na década de 90. Não obstante, em tom de combate às assimetrias e tomando, cada vez mais, uma forma global.

Com uma forte componente de crítica política, actua simultaneamente na área sociocultural, formando colectivos musicais com crianças e jovens, desde as comunidades desfavorecidas do Rio de Janeiro até aos bairros sociais portugueses.

No Porto, onde reside desde 2013, é também parte integrante do Samba Sem Fronteiras e dos HHY & The Macumbas, marcando presença em vários países e festivais como Sónar e Boom Festival.

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OTROTORTO nunca caminharam direito – o exercício musical do trio que junta Jorge Coelho, Jorge Queijo e Miguel Ramos torce a formação tradicional de guitarra-baixo-bateria, com harmonias desafiantes e melodias que não primam pelo familiar. É na tensão que se resolvem e na dissonância que se cantam e encantam, criando uma linguagem desconcertante que envolve e desenvolve nos seus próprios termos, mas com frequências que todos partilhamos. Os OTROTORTO suspendem-se sem nunca cair e revelam-se contadores de histórias como poucos instrumentistas: fluentes e fluídos.

“Letargia em Ré Menor” foi o último lançamento destes mestres de sinfonias, uma metáfora sonora sobre a potência da compreensão, da contenção, da gravidade enquanto força e dos efeitos de se lhe inclinar em livre-arbítrio.

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Paisiel é o enigmático nome do projeto do baterista, percussionista e escultor sonoro João Pais Filipe e o do saxofonista alemão Julius Gabriel. Alicerçado numa exploração individual do som e das possibilidades expressivas dos instrumentos de cada um, a música deste duo corresponde a um impulso de sistematização de referências sem correspondências, nem afinidades óbvias. Melodias texturadas e abstratas propulsionadas por uma percussão simultaneamente mecânica e existencial que se metamorfoseia num transe cinético. Músicos heterodoxos e digressivos, movendo-se livremente entre a música experimental, o jazz, o rock e as restantes declinações indecifráveis de novas categorias musicais, João Pais Filipe e Julius Gabriel criam música radiográfica que habita algures numa zona intermédia entre a recepção e a emissão de sinal, como uma central telefónica do cosmos.

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Samuel Martins Coelho conta com uma longa carreira. Integrou projectos colectivos de personalidade multiversa como EL RUPE, Estranhofone, Mods Collective, Space Ensemble, Escola do Rock e muitos mais. Em 2019, surgiu a vontade de criar algo em nome próprio e lançou a solo Partita para Violino Solo. Dois anos mais tarde lança Cura, antítese dos registos que nos deu a conhecer no primeiro disco. O mais recente nasceu sob caminhos luminosos e um novo tempo no seu percurso com o violino, instrumento em que se formou como músico e que usou como espaço para se reconciliar como homem. Candura, controlo e gentileza são características das 7 faixas de Cura.
 

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Enquanto o país arde de tédio, as Sereias mergulham de vez no jazz-punk que promete ser hino de uma campanha que urge trazer para as ruas. No centro a poesia mordaz de A. Pedro Ribeiro, poeta maldito, anarquista, ex-candidato a Presidente da República, em choque constante com os ambientes turvos, electrónicos e imersivos dos mascadores sónicos que o acompanham. Em disco colocaram o “País a Arder”, atirando-nos, num só golpe, para o divã. E como o Portugal artístico precisava disso! Este é um tratado político, social e filosófico, num tempo em que tudo isso corresponde a uma afronta ao “status quo”, ao grande mestre. Escrito com uma violência enganadora, nas entrelinhas da provocação, na epiderme de uma couraça onde se pode bater à vontade. Não só nas letras, mas também na música. Neste formato avantgarde, punk, free jazz e post-rock que provoca a erupção voluntária de sentidos, na liberdade da execução e na negação dessa mesma postura convencional. Uma (in)disciplina “zappliana” que nos leva para os territórios de This Heat, Pere Ubu ou The Fall. E se o disco representa uma audácia aviltante nessa multiplicidade de perfis, a “praxis” ao vivo é não só direta, intempestiva como canibal e exasperante. O equilíbrio mantém-se à base dos extremos e tão desconfortáveis no palco se parecem, que acabam por manter o foco no público. ​

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Quando o rock se tornou um ornamento da pop, esqueceu-se o que era importante: uma banda coesa, guitarra nos olhos do baixo, o baixo em cima da bateria, os pratos a explodir com os riffs da guitarra, um ciclo de comunicação electrificante. Os Stone Dead, esses não esqueceram aquilo que fez do rock uma explosão impossível de conter, há meio século atrás, e trazem esses ensinamentos para os corpos de hoje, com fuzz ainda mais quente e um baixo ainda mais predominante, provando errado o que muitos têm tentado vaticinar: o rock está morto. Não, segundo os Stone Dead está bem, rola em riffs tanto quanto em gancho, e recomenda-se.

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Por esta altura, tornou-se natural assumir de que a água de Barcelos tem qualquer coisa de especial. O que será não saberemos ao certo, mas o que tem feito pelo rock deste país é um feito admirável. Os Solar Corona nasceram desse borbulhar criativo de uma cidade que mostra como se escreve rock com linha tortas. Como deve ser. Formados em 2013, em 2016 assentaram em quarteto, com Rodrigo Carvalho (guitarra / sintetizadores), Peter Carvalho (bateria), José Roberto Gomes (baixo) e Julius Gabriel (saxofone / sintetizadores). Após a edição de três EPs, os Solar Corona chegaram a “Lightning One”, o primeiro longa-duração, fruto de anos de labor à procura do som que triunfasse nesta formação. “Lightning One” é uma viagem no topo, com as coordenadas certas na mistura, a cargo de José Arantes, masterizado por Chris Hardman e artwork de Serafim Mendes, que transcreve numa imagem a imensidão de estradas psicadélico-trópicas que se fundem nos Solar Corona.

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